El esqueleto de la señora Morales

Comedia negra dirigida por Rogelio A. González en el año 1959 y que está dentro de lo que se conoce el gran cine mexicano de los años cincuenta o la Época dorada, los que centraban su trabajo en los Estudios  Churubusco -Azteca y realizaba películas de gran calidad, y en la misma pues trabajaban guionistas de la talla de Luis Alcoriza que se inspira en un cuento del escritor galés, Arthur Machen, titulado El misterio de Islington. En estas películas trabajaban actores y actrices de peso  como Arturo de Córdova o Amparito Rivelles. Junto a ellas nos encontramos a Elda Peralta, Guillermo Orea, Rosenda Montero y Luis Aragón. 

El director tuvo como jefe de producción a Armando Espinosa y como asistente a Jaime Contreras. La encargada de maquillaje fue Ana Guerrero y de la unidad técnica universal. Jorge Bustos como editor, Eduardo Fitzgerald encargado de la escenografía contando además con un asesor en taxidermia como Mario Aguilar Reed. 

La composición musical fue de Raúl Lavista que trabajó con la orquesta sinfónica de filarmónicos de la radio mexicana. La fotografía fue de Víctor Herrera. 

La historia nos acerca a la vida conyugal de una mojigata, puritana y frígida Gloria (Amparo Rivelles) y expansivo, campechano y afable Pablo Morales (Arturo de Córdova ) que es un auténtico infierno. La mujer atormenta a su marido con sus celos, sus quejas y un puritanismo enfermo y además de encontrarse condicionada por un defecto en la pierna que tendrá trascendencia en toda la película. 

Pablo Morales, es un taxidermista esencialmente optimista, ama a los niños, añora tener hijos y un hogar luminoso, pero se enfrenta a diario con el fanatismo y la amargura de Gloria, su hermosa mujer, que vive amargada, obsesionada, fanatizada y acomplejada por un defecto en la rodilla. Ambos viven en una casa tenebrosa y obscura, en un ambiente lúgubre y ominoso, magnificado por el carácter de Gloria y sus amistades, formado por algunas beatas y un cura, así como un historiador pelmazo, que agobian a Pablo y acaban por convertir la vida de ambos en un verdadero infierno.

Debido al trabajo de Pablo, a Gloria le da asco la carne y no tolera ver a su esposo comer carne. De hecho, a escondidas,  Pablo le pide a escondidas a la sirvienta un trozo de carne "de este grueso", señalando con los dedos índice y pulgar el grosor del filete.

Gloria tampoco permite que Pablo tenga acceso a su intimidad y, pese a que el cuerpo de esta lo vuelve loco, la negativa nunca se hace esperar. Es más, Pablo elogia la belleza de Gloria y la firmeza de su cuerpo, pero sus avances románticos son detenidos cuando Gloria le indica que se «lave las manos y se ponga alcohol», como señal del asco que le da su profesión.

Gloria se distingue por aparentar frente a la sociedad una piedad y una caridad religiosa que la hace ser muy apreciada entre sus amistades devotas y pías y el siempre antipático y entrometido padre Artemio Familiar. 

El padre Familiar y Pablo no se soportan. Este último cuestiona a Gloria y al mismo padre Familiar que su esposa quiera proporcionar más caridad que el resto del grupo, lo que Pablo califica como pecado de soberbia; el padre Familiar, forzado por el peso del argumento, se ve obligado a coincidir con el esposo de Gloria.

Pablo es además hostigado por el matrimonio formado por Clara, la hermana de Gloria, y Elodio, el bronco concuñado. Esto llega a un extremo cuando Gloria se lastima a sí misma para culpar a Pablo de haberla golpeado y Elodio le golpea a él. 

Las cosas se precipitan cuando Pablo decide matar a su mujer, recordando una conversación que había tenido con sus amigos en el bar acerca del crimen perfecto. Él había asegurado que una persona puede cometer el crimen perfecto si después es juzgada y absuelta, evitando así sentir la culpa que de otra manera la pondría en evidencia.

Pablo lleva adelante sus planes, pues la situación es cada día peor.  y termina con la vida de Gloria, envenenándola, y después de cometer el asesinato, exhibe en un aparador un esqueleto con un defecto en la rodilla que hace sospechar a todos de Pablo como el asesino, por lo que es arrestado y juzgado. 

Pese a la vigorosa acusación del padre Familiar y del grupo de amigos de Gloria, es absuelto debido a que el registro médico de Gloria mostraba que su deformación no era ósea.

Ya libre, Pablo se confiesa con el padre Familiar, y en secreto de confesión admite haber asesinado a Gloria. 

Cuando el padre Familiar amenaza con denunciarlo ante las autoridades por el crimen, Pablo le réplica que no puede ser juzgado dos veces por el mismo crimen y, además, lo revelado se había dicho en secreto de confesión. 

Finalmente la victoria no duro mucho tiempo, pues Pablo y los amigos de Gloria mueren al tomar por error de la bebida envenenada, como símbolo de que su asesinato no podía quedar impune.

Una película que está considerada como un clásico del cine mexicano como parte de su mejor comedia negra y que se muere se mueve entre el tono siniestro los satírico y lo cómico. Que habla de el crimen perfecto aunque el crimen perfecto como dice en la película no existe. La película fue producida por la productora Alfa Films SA 

El esqueleto de la señora Morales ocupa el lugar 19 en la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, publicada en julio de 1994 por la revista Somos.

La película cínica, divertida, ácida magistralmente interpretada por las dos estrellas absolutas, Arturo de Córdova y Amparo Rivelles, con grandes diálogos, es una fuerte crítica hacía lo pacato en lo religioso.

The Limey

No había oído hablar de esta película y eso que es de un director muy solvente como Steven Soderberg, y cuenta con un actor solvente como Terence Stamp. Pero lo cierto que el halcón inglés no me sonaba de nada y eso que era una película del año 1999. 

El protagonista de la película escrita por Lem Dobbs es Wilson que se ha pasado en media vida en la cárcel. Un día recibe una nota de uno de los amigos de su hija en la que le cuenta que su única hija ha muerto en Los Ángeles en misteriosa circunstancias.  Tras salir de prisión viaja desde Londres hasta Los Ángeles para descubrir quién es y qué esconde tras la muerte accidental de su hija. 

La película que fue filmada en locaciones de Los Ángeles y Big Sur, tuvo en su estreno crítica positivas, pero la película no fue un éxito financiero tras su estreno. Está interpretada por Luis Guzmán, Leslie Ann Warren y el hijo de Henry Fonda, Peter, y Barry Newman, entre otros. 

Un criminal inglés de apellido Wilson (Terence Stamp) viaja a Los Ángeles para investigar la muerte de su hija, Jenny, quien, según le informaron, murió en un accidente automovilístico; sin embargo, Wilson sospecha que fue de un asesinato. Recién liberado de prisión después de nueve años, es un hombre endurecido. 

Al llegar a Los Ángeles, y con muy pocas referencias como el remite de una carta, interroga a los amigos de Jenny, Ed, que resulta ser Eduardo (Luis Guzmán) y Elaine (Lesley Ann Warren). Al descubrir que dudan de la versión oficial, el padre solicita su ayuda para investigar la muerte de Jenny. 

Un sospechoso que surge es Terry Valentine (Peter Fonda), un rico productor discográfico con el que salía Jenny. Valentine estuvo brevemente involucrado en el tráfico de drogas que estaba contralado por su asesor de seguridad, Avery (Barry Newman). 

Con la ayuda de Ed, Wilson localiza un almacén utilizado por el narcotraficante y pregunta por Valentine. El encargado de las distribución de la droga insulta a su hija y lo golpean. Wilson regresa tras la paliza al almacén y mata a tiros a todos los empleados menos uno que deja vivo para dar un aviso. Wilson y Eduardo se cuelan en una fiesta celebrada en casa de Valentine. 

Una vez allí, Wilson busca pruebas de la participación e incriminación de Valentine. Encuentran y roba una foto de Jenny. Atrayendo las sospechas de Avery, Wilson es abordado por un guardia de seguridad que está en la fiesta al que le da un cabezazo y lo arroja por encima de una barandilla hasta su muerte. 

Wilson y Eduardo huyen, sólo para ser perseguidos por Avery, quien embiste su auto por la carretera de Mullholland y les dispara. Él y Eduardo escapan, pero no antes de que Avery escuche a Eduardo gritar el nombre de Wilson. 

De vuelta con Elaine y Eduardo, Wilson recuerda su vida anterior con su hija, a quien recuerda sólo cuando era niña. Es consciente de que no ha sido un buen padre. Ella preocupada de que enviaran a su padre a prisión, a menudo amenazaba con llamar a la policía cada vez que encontraba evidencia de los crímenes en los que él estaba involucrado o planeando. Él recuerda que ella nunca cumplió sus amenazas porque lo amaba y eventualmente se convirtió en una broma triste entre ellos. Sin embargo, su vida criminal puso a prueba a su familia. Terminó en prisión después de que los hombres con los que estaba involucrado lo vendieran a la policía. 

Avery malintencionadamente contrata a un sicario, Stacy (Nicky Katt ), para localizar y matar a Wilson, al que conocemos jugando a un billar y , que sacude con brutalidad a otro jugador, cuando el compañero de Stacy, Tío John reclama iniciar la partida.  

Sin embargo, los agentes de la DEA, que han estado vigilando a Valentine, impiden que Stacy dé el golpe. Luego, Wilson y Elaine son llevados a encontrarse con el agente principal, quien deja en claro que la DEA está detrás del traficante que usó a Valentine para lavar dinero de las drogas, y que los agentes no tienen la intención de interferir con la misión personal de Wilson. Le permite a Wilson ver su expediente sobre Valentine, incluida una fotografía y la dirección de una segunda casa en Big Sur. 

Mientras tanto, Stacy y su compañero, Tito John (Joe d´Alessandro ) enojados por la paliza que les propinaron los agentes de la DEA, planean traicionar a Avery. Avery traslada a Valentine a la casa de Big Sur. Esa noche, Wilson entra al recinto. 

Los guardias de Avery disparan a un intruso que resulta ser Stacy y se involucra en un tiroteo con su compañero, el tío John. El resultado es que varios vigilante mueren y también hiere fatalmente a Avery. Valentine le quita el arma a Avery y lo deja morir mientras huye a la playa con Wilson persiguiéndolo. 

Traicionado, Avery saca su arma de repuesto y apunta a Wilson, pero la baja, lo que le permite perseguir a Valentine. Valentine dispara a Wilson, luego cae y se rompe el tobillo. Continúa disparando a Wilson que se acerca, pero falla y, después de quedarse sin balas, suplica por su vida. 

Valentine le cuenta lo ocurrido realmente. Le dice a Wilson que Jenny se enteró de sus vínculos con las drogas y amenazó con llamar a la policía (recordándole a Wilson lo que le había hecho cuando era niña) y en su intento por detenerla. Valentine golpeó a Jenny contra una pared, matándola accidentalmente. . En un esfuerzo por desviar la atención de Valentine, Avery fingió el accidente automovilístico. 

Wilson sabe que Jenny nunca habría entregado a Valentine. Se da vuelta y permite que Valentine viva. Por último, Wilson se despide de Elaine y Eduardo y regresa en avión a Londres. Un Wilson más joven toca la canción folk "Colors" en la guitarra, mientras una mujer le acaricia el pelo. 

The Limey se presentó por primera vez en mayo de 1999 en el Festival de Cine de Cannes. El único reconocimiento que tuvo esta película fue el Premio Satélite de Oro a la mejor interpretación dramática de un actor en una película, Terence Stamp, aunque obtuvo 5 nominaciones, entre otras a mejor película, director, actor guion y secundario en la persona de Guzmán en los Independent Awards de ese año. 

Me preguntaba por el título original de la película y que relación podría tener con el que le dieron en español, El halcón inglés, y se trata de una palbra en jerga estadounidense, "Limey", que viene a ser como se refieren a los británicos.

Steven Soderbergh utiliza secuencias de flashback atípicas e incluye varias escenas (en gran parte sin diálogo) de una película mucho más antigua de Terence Stamp, el debut como director de Ken Loach en 1967, Poor Cow. Soderbergh usa las escenas para crear una historia confusa que muestra el personaje de Stamp cuando era joven, su pasado criminal, su relación con la madre de Jenny y las actitudes de desaprobación de Jenny hacia su estilo de vida corrupto. Wilson habla a menudo en una jerga cockney que rima. La película que tuvo como productores a John Hardy y Scott Kramer que desembolsaron 10 millones de dólares cuenta con la fotografía de Edward Lachman y la música, imperceptible - que en ocasiones, se agradece- de Cliff Martínez  

Soderbergh y la editora de cine Sarah Flack utilizan una variedad de técnicas de edición poco ortodoxas en The Limey. La película, que fue un sonora fracaso en taquilla, presenta frecuentemente diálogos y sonido de fondo de escenas anteriores o futuras yuxtapuestas a una escena actual. El diálogo de una conversación, por ejemplo, puede encontrarse disperso a lo largo de la película, articulado por primera vez mucho después de que haya pasado su momento cronológico, como una especie de flashback narrativo superpuesto a una conversación posterior, para completar el pensamiento de un personaje o puntuar el énfasis de un personaje . El sonido de fondo puede estar desarticulado en la película y desplazado para realzar otra escena sugiriendo continuación, similitud o diferencia. Por ejemplo, Wilson está en una habitación de hotel y abre la ducha, y luego Wilson está en un avión mirando por la ventana, mientras se escucha la ducha. 

Roger Ebert de The Chicago Sun-Times describió la trama como "Ross Macdonald básico", una referencia al escritor de misterio cuyos best-sellers de los años 50 y 60 ambientan en el sur de California típicamente presentaba un destino fatal para los hijos adultos jóvenes de padres ricos con oscuros secretos. Stamp y Fonda, ambos íconos envejecidos de la década de 1960, representan diferentes lados de la contracultura: "Es una agradable ironía que tanto Valentine como Wilson (el personaje de Stamp) ganaran dinero con la música rock: Valentine vendiendo entradas, Wilson robando los ingresos de un concierto de Pink Floyd." Y añadió, tal y como se indica en rogerebert.com que "La dirección de Soderbergh coge la historia y usa las imágenes para crear un entretenimiento irónico (...)". 

Otro crítico de Illinois, Jonathan Rosenbaum, del Chicago Reader comentó que era "Un thriller muy entretenido y poco convencional" . 

El crítico de cine de la revista Variety, Emanuel Levy, elogió el drama criminal y le gustó la dirección de la película, las actuaciones y el guión, pero consideró que la película "carece de personajes secundarios y tramas secundarias". Escribió: "The Limey, la nueva película criminal de Steven Soderbergh, continúa la renovación artística del director, evidente el año pasado en la magníficamente realizada Out of Sight. El elemento más interesante de la película es la ubicación de dos íconos del cine de los años 60, el muy británico Terence Stamp y el muy estadounidense Peter Fonda, como enemigos desde hace mucho tiempo en lo que es básicamente un thriller de venganza de rutina... [y] uno no tiene problemas en elogiar la valentía de la actuación de todo el conjunto y los impresionantes aspectos técnicos de la película que Warren, Guzmán y Barry Newman presentan con madurez y moderación. actuaciones en línea con la textura dominante de la película. Un giro secundario de Joe Dallessandro, el habitual de Andy Warhol y Paul Morrissey, acentúa la naturaleza reflexiva de la película como un comentario sobre una era pasada del cine". Y añade que "Una obra conseguida que se sobrepone a sus elementos rutinarios. El guion poco desarrollado y flojo de Lem Dobbs (...) no cumple con lo que promete" 

Janet Maslin en las páginas del The New York Times señala que "De entre todas las películas del director (...) esta tiene potencial para convertirse en una de las favoritas de los espectadores." 

Desson Thomson en el The Washington Post escribe que "En manos de este director, una historia sencilla de venganza se convierte en algo que tiene varias capas" 

James Berardinelli en ReelViews afirma que "Stamp ha realizado unos trabajos maravillosos en una larga y variada carrera. Esta no es su mejor película, pero puede ser la interpretación más convincente que ha realizado (...) " 

Marjorie Baumgarten del texano Austin Chronicle escribió que "El trabajo de un excelente artesano y artista (...) "

 Edward Guthmann, crítico de cine del San Francisco Chronicle, elogió la dirección y el guion y escribió: "The Limey... es un thriller policial de primer nivel y una prueba más de que Soderbergh es uno de nuestros grandes estilistas cinematográficos contemporáneos. Tenso, imaginativo y compleja, esta es una de las mejores películas estadounidenses del año y un maravilloso antídoto contra la paralizante uniformidad de [algunas] películas". 

La crítica Janet Maslin escribió sobre el trabajo de Terence Stamp: "Stamp interpreta el papel principal con furia, con Intensidad decidida, ojos azules salvajes y un rugido estentóreo que se muestran en los primeros momentos de la película... Soderbergh utiliza con conmovedora eficacia vislumbres del joven y bellamente soñador Stamp y su no menos imponente presencia moderna. 

ParaVikram Murthi en IndieWire sostiene que es "Una obra maestra absoluta (...) El espíritu colaborativo de Soderbergh es lo que hace que 'The Limey' sea elegante y tenga fuerza a nivel emocional." 

Chuck Bowen en Slant señala que "Soderbergh no planeó todas las facetas del filme. Fue una tormenta perfecta: Al casar la técnica con la intuición y el gusto personal, abrió un vórtice, dando forma a una obra de género como objeto de arte y oda a la nostalgia" 

Scott Tobias de AV Club afirma que "Es un homenaje inteligente y significativo a los clásicos de finales de los años 60".

En Time Out se dice de ella que es "Divertida, conmovedora y con una seguridad absoluta (...) Stamp está soberbio (...) El guion de Lem Dobbs es ingenioso (...) El habitual juego de Soderbergh con la narrativa subraya hábilmente la obsesión de Stamp. Una gozada" 

Ya en el Reino Unido, en las páginas de Empire, Andrew Collins, escribe que "La idea suena bien en el papel, pero no consigue equilibrar la tensión brutal y la comedia (...) Una pantomima con poca trama y demasiado estilizada (...) "

En El Mundo se dice de ella que "Steven Soderbergh. ''El halcón inglés'' es justo la película anterior, en la filmografía del director, a ''Erin Brockovich'' y ''Traffic'', las dos películas que le dieron el impulso definitivo en Hollywood y que disiparon las dudas sobre su calidad y rentabilidad en taquilla. Lo más interesante del filme, aparte de sus bien rodadas secuencias de acción, es la presencia del británico Terence Stamp como protagonista indiscutible, que le da a su personaje un tono sombrío, dolido y agresivo como pocas veces hemos visto en pantalla. "

Por mi parte señalar que la película de Artisan Entertainmenth ha cumplido con creces las expectativas que tenía al saber que era un thriller, que me ha parecido contundente la actuación de Stamp, brillante la dirección y especialmente la complejidad de la historia escrita por Lem Dobbs así como el montaje de una historia llena de flashbacks en las que se añaden fragmentos de otras películas para recuperar en tiempo que ya no es. 

Los casos del departamento Q: el efecto Marcus

Quinta película de la saga, tras Misericordia, Profanación, Redención y Expediente 64, que vuelve a estar producida por Mikael Rieks para la Nordisk Film, Nadcon Film, y en este caso, nos encontramos que han cambiado los actores protagonistas de la saga y ahora tanto Carl Merck como Assad y su equipo del departamento Q,  son otro actores y actrices. 

Con todo la película sigue teniendo el mismo tono que marca en su novela Jussi Adler Olsen, aquí transformada en guion por Anders Frithiof August y Thomas Porsager. La música fue compuesta por Sune Martin. En este caso la dirección fue de Martin Zandvliet siendo los protagonistas son Ulrich Thomsen y Zaki Youssef.

En el efecto Marcus - que se publicó en 2012 como el quinto trabajo del autor en una serie de libros sobre crímenes de la serie Carl Mørck Dezernat Q- el protagonista, es involuntariamente, un chico gitano de catorce años de nombre Marcos que es detenido en el control fronterizo danés por estar en posesión del pasaporte de un funcionario desaparecido y que, en su momento, fue acusado de pederastia , y es por esto por lo que el asunto es asumido por el Departamento Q que no lo tiene tan claro lo que pudo pasar a uno, y lo que le puede pasar a otro, y por lo que decide encontrar la conexión que une ambos hechos. 

El caso contiene varios elementos sospechosos ya que el funcionario que trabajaba para una ONG poco antes de desaparecer, fue acusado de pederastia y su caso caso, que llamó la atención a la opinión pública se cerró con una rapidez inusitada a pesar de la desaparición del presunto culpable. Pero es que el silencioso y traumatizado Marcus tampoco aporta gran información y de hecho se niega a dar los detalles de lo que sabe - que es mucho - y no tarda en huir de donde está retenido judicialmente como menor ya que sabe que puede ser la próxima víctima de quienes pretenden matarlo por toda la información que conoce. 

Los integrantes del Departamento Q descubren que Marcus pertenece a una familia gitana que vive de la mendicidad y el robo, y que el cabeza de clan romaní de origen rumano, es el cínico Zola (Zdenek Godla), que planea dejar a Marcus inválido para que pueda despertar lástima cuando mendigue. Por lo tanto, decide huir, lo cual no es fácil, ya que no es fácil esconderse en Copenhague cuando tanto la familia, como la policía en la forma de Carl Mørck y el mundo criminal de Copenhague están persiguiéndose. 

El caso es que Marcus que intentó entrar ilegalmente en el país, es detenido por la policía y lo llamativo es que tiene en su poder el pasaporte de un funcionario, ahora desaparecido, que había sido acusado de pedofilia , pero que finalmente le habían dejado en libertad.  Se trata del pasaporte de William Stark, desaparecido hace cuatro años. En aquel entonces, siendo entrenador de natación, fue acusado de haber violado a una estudiante y guardó pornografía infantil en su ordenador. 

El inspector Mørck no logra que hable Marcus, que permanece en silencio y parece traumatizado. Pero Marcus, asustado, no dice una palabra durante el primer interrogatorio en su alojamiento. Días después el chico huye.

Sin embargo, el caso se cerró rápidamente tras la desaparición de Stark. A partir de la nueva información, Carl Mørck comienza la investigación con su socio Assad y su asistente Rose. 

Los investigadores interrogan ahora a la nadadora Jeanne y luego también a la esposa de Stark, Malena, que está convencida de la inocencia de su marido, al igual que su pequeña hija. Ella le habla de que Stark participó en proyectos caritativos y ayudó a establecer hospitales en África. 

Los investigadores se enteran por un periodista de que Stark estaba tras la pista de un gran escándalo de fraude antes de su desaparición y que las donaciones no se invirtieron en proyectos de ayuda, sino que se malversaron para su propio beneficio. Esto parece llegar a altos círculos como el Ministerio de Asuntos Exteriores. 

Después de la desaparición de Stark, Teis Snap continuó trabajando en la investigación interna, pero no llegó a ninguna parte. Snap ahora tiene una alta posición oficial. 

Mientras tanto, Marcus que se ha escapado del alojamiento para ir  en busca de su padre, que trabaja para el líder del clan criminal Zola, al encontrarse con el chico le dice que se mantenga al margen ya que Zola verá en él un peligro y hace que lo busquen. 

Sus secuaces finalmente localizan a Marcus en una obra en construcción, al igual que Mørck y Assad, lo que conduce a un enfrentamiento entre la policía y los criminales. Al intentar huir, Marcus resulta herido y los hombres de Zola logran escapar. 

Una investigación más profunda revela que el padre de Jeanne recibió grandes remesas de dinero después de denunciar la violación y luego murió en un accidente. Cuando quieren volver a interrogar a Jeanne, la encuentran muerta en la bañera. Están convencidos de que la mataron. 

Mørck habla con Malena y su hija Thilde,  y por ellas se entera de que Marcus le regaló un collar de su padre. Más tarde, Marcus le dice a Mørck que Stark está muerto y lo lleva hasta su cuerpo. El niño descubrió el cuerpo y se llevó el collar. 

Mørck y Assad interrogan a Teis Snap, pero su abogado, de nombre Jacobsen interrumpe el interrogatorio y el jefe de policía suspende a Mørck de servicio. 

Mientras Mørck empaca sus cosas, le pregunta a Rose sobre el dueño del bosque donde yacía el cuerpo de Stark. Pertenece a una empresa de construcción e inmobiliaria cuyo fundador, Jens Brage-Schmidt, vive allí.

Teis Snap también forma parte del consejo de administración de la empresa. Mørck conduce hasta la propiedad con Assad. Allí, Snap acaba de asfixiar al viejo Brage-Schmidt antes de que Rene Eriksen, su cómplice del Departamento de Estado, le dispare. 

Mientras se aleja, pasa junto a los investigadores que llegan, quienes solo pueden observar cómo la villa se incendia. Zola ha secuestrado a Marcus, pero los investigadores logran atraparlo al amanecer en un sendero del bosque. 

Assad dispara a Zola cuando toma como rehén a Mørck. Cuando Mørck ve el coche de Eriksen en los reportajes de televisión, comprueba las imágenes de la cámara de su coche. Reconoce a Eriksen en el coche que encontró delante de la villa de Brage-Schmidt. Luego lo arrestan. Marcus regresa a su tierra natal con su padre.

El rodaje de Marco Effecten (2021)- que es su título original-  tuvo lugar en Praga y fue realizado por Martin Zandvliet. Estaba inicialmente programado para estrenarse en 2020 en Dinamarca y la República Checa, pero el rodaje se interrumpió en marzo de 2020 debido a la pandemia del p*t* Covid, y se reanudó y completó después. 

Y aunque en su país - supongo - que se estrenó en cines, aquí la apariencia es que se estrenó en televisiones. La película presenta un tono sombrío en la que parece que ni el director ni los actores se han visto las anteriores entregas y todos parecen mostrar una relación entre los protagonistas gélida. La película o episodio - vete tú a saber- tiene dosis de suspense, emoción, giros argumentales y bastante acción, en ese sentido cumple sobradamente, pero el hecho de que no aparezcan los integrantes con los que comenzaron parece tener responder a un formato de telefilm.  Pero, lo dicho, se deja ver. 

De ella el portal alemán Filmdienst.de señaló que “El thriller, diseñado exactamente según el modelo del Nordic Noir, utiliza los clichés del género de forma eficaz pero también algo predecible, pero olvida los intersticios de la humanidad como base de la historia. procedimiento investigativo” . Hay una sexta entrega: ‘Sin límites’.

Gold

Tremenda película la protagonizada por Zack Efron, un Efron que , finalmente, - esto es un spoiler como la copa de un pino- devorado por unos perros. Así de brusca es esta distopía futurista, este thriller  lleno de suspense y soledad, así como polvo. 

Esta película futurista del año 2022 dirigida - -y en parte protagonizada - por Anthony Hayes, en la que Efron lleva la voz cantante y protagoniza este denso thriller de supervivencia sobre lo que el ser humano está dispuesto a hacer cuando la codicia llama a su puerta. Se trata de un film australiana que se estrenó en un canal, Stan, pero en la que participan varias productoras como Deeper Water Films, Rogue Star Pictures, South Australian Film Corporation, Screen Australia, Ingenious Media, Altitude Film Distribution y la misma Stan y que tiene como nombres propios de productores los de Anthony Hayes, John y Michael Schwarz. El omnipresente Anthony Hayes aparece junto a Polly Smyth como guionista; mientras que los técnicos australianos Ross Giardina, Sean Lahiff y Antony Partos están presentes en la fotografía, montaje y música, respectivamente.  

Ambientada en un futuro cercano o marcado por la desesperanza y la violencia, Gold sigue a Virgil, un viajero solitario que llega a una puesto avanzado para trabajar de una mina. Allí ha quedado con el conductor, Keith, que lo llevará al área conocida como El Complejo en la que espera hallar un futuro mejor. Mientras llegan y viajan por el inhóspito desierto los dos hombres descubren una enorme cantidad de oro. 

La historia nos lleva a un futuro cercano aunque distópico, en la Virgil (Zac Efron) llega a un puesto de avanzada preguntando por un lugareño que responde al nombre de Keith (Anthony Hayes) para que lo transporte a un área conocida como The Compound o El Complejo. 

Descubrimos que Keith quiere cobrar por todo. Por el transporte, pero también por el agua y la gasolina que se consuman. Viajando a través de un desierto inhóspito. Cuando paran , Virgil descubre que de los pocos seres vivos que hay en el desierto se ha de preocupar de los hombres y de los perros. En una parada forzada, dado que al poner el aire acondicionado Virgil, el coche se ha sobrecalentado y se para, el foráneo descubre mientras mea una enorme pepita de oro en este área remota. 

Después de no poder extraerlo con sus herramientas básicas y su camión la roca de oro, Keith sugiere quedarse con el oro mientras Virgil ha de ir a intentar encontrar una excavadora, sugiriendo que no tiene lo necesario para sobrevivir solo. Virgil sostiene que debería ser él quien se quede con el oro tal como lo encontró. 

Tras unos momentos de tensión en los que Keith le dice a su compañero que no sobrevivirá al desierto, deja a Virgil con los suministros restantes, con un teléfono por satélite, una mínima cantidad de agua y la promesa de regresar en 5 días. 

A medida que pasa el tiempo, Virgil comienza a deteriorarse tanto física como mentalmente a medida que aparece la paranoia relaciona con la soledad y el calor extremo. En su búsqueda de leña para mantener alejados a los perros salvajes, se encuentra con un avión estrellado. Virgil pudiendo elegir el avión como refugio, opta por construirse un refugio junto al oro recogiendo piezas del avión. 

Durante ese tiempo se encuentra con un escorpión al que deja en paz, y una serpiente, a la que en sus intentos de matar con su navaja de bolsillo, accidentalmente tira agua de todo un día. Después de varios días esperando el regreso de Keith, mientras el duerme en el avión se persona una mujer solitaria (Susie Porter) que se encuentra con Virgil mientras busca más comida en el avión. 

La mujer inmediatamente sospecha de Virgil y su razonamiento para estar solo en el desierto, y también anuncia que conoce su campamento junto al árbol. Ella se acerca para investigar y Virgil la sigue. Ella mientras se dirige al campamento primario levantado por Virgil le habla de su odio hacia las personas que huyen de las ciudades en busca de los recursos de su tierra y comienza a acusar a Virgil de ocultar algo. Éste la sorprende y la mata con su pala, enterrando luego su cuerpo. 

Más tarde, un perro salvaje desentierra su tumba poco profunda, así que Virgil la arrastra fuera del campamento y quema su cuerpo durante la noche. Un día después, una tormenta de arena destruye el campamento y el árbol, dejando a Virgil herido de una rama clavada en la barriga y sin suministros. 

La salud de Virgil se deteriora aún más por la herida ya que pierde sangre por la herida de la rama del árbol y la exposición adicional al sol. 

Despierta después de un período de inconsciencia y otra mujer, que aparenta ser la misma que se acercó a su campamento, le apunta con una ballesta, antes de volver a caer inconsciente y tener extrañas visiones del escorpión y la chica carroñera. Poco después se despierta y la chica carroñera le ofrece lleva a un abrevadero y le ofrece comida. Virgil le grita que se vaya. La mujer le pregunta si conoce a su hermana y, luego, desaparece. 

Virgil se pone en contacto con Keith por radio, quien le informa que está cerca. Sin embargo, Virgil, que está rodeado de pequeñas hogueras de fuego y que sigue gravemente herido, es atacado y asesinado por una jauría de perros salvajes. 

Descubrimos, casi de inmediato, que Keith está mirando cerca, esperando con el equipo de excavación. Mientras avanza para extraer el oro, Keith recibe un disparo en el pecho con una flecha acabando así la película. En noviembre de 2020 se anunció que Zac Efron había firmado para la película, que sería dirigida por Anthony Hayes, quien también interpretaría uno de los papeles principales. Más tarde se anunció que Susie Porter se había unido al elenco y que la película se proyectaría en Stan en Australia. 

El rodaje comenzó en noviembre de 2020 en el interior de Australia del Sur, en Flinders Ranges y la ciudad de Leigh Creek. Con sólo tres protagonistas - o cuatro- según se mire, la película se convierte en una sombría parábola sobre los implacables que pueden llegar a ser los seres humanos tan implacables como la naturaleza extrema en la que se enfrentan los protagonistas. 

Como curiosidad la angustiosa escena de la tormenta de arena está rodada durante una tormenta real.Efron se rompió un hueso de la mano a mitad del rodaje, pero se lo ocultó al equipo para evitar detener la producción. 

En cuanto a la crítica Luke Buckmaster en las páginas del The Guardian dijo de ella que "Anthony Hayes y su famoso coprotagonista ofrecen actuaciones sólidas, pero esta visión distópica se vuelve cada vez más endeble (...). Elogió la fotografía y la actuación de Efron, pero encontró la trama escasa " 

Craig Mathieson en Flicks señaló que se trata de "Una película de género firme que no intenta apuntar demasiado alto. Hayes y Efron son capaces de sacar adelante este drama sólido." 

Susannah Gruder en IndieWire destacó el papel de "Zac Efron ofrece una actuación vibrante (...) 'Gold' intenta generar tensión transmitiendo una sensación de vacío (...) y acaba ella misma vacía (…) " 

Mark Hanson en Slant sostuvo que "Apenas descubrimos nada de su estoico protagonista (...) No profundiza más allá de lo que es evidente en la superficie (…)" 

Jordan Hoffman en AV Club escribió sobre Gold que "Genera tensión y ofrece una conclusión satisfactoria, pero hay algunas partes considerables en las que el globo pierde bastante aire." 

Sarah Jane en Austin Chronicle defendió que "No está mal. Tiene buen aspecto (...) Tanto Efron como Hayes hacen un buen trabajo (…) " 

John Serba de Decider admitió que "Por si no lo he dejado del todo claro, 'Gold' es de todo menos divertido" 

Ya en España,  Fausto Fernández señala que " Zac Efron defiende una señora pepita de oro (y no, malpensados, no la esconde como el reloj de PULP FICTION) de malos malasombra en un desierto sin ella, survival sesteable". 

Habrá que reconocer que es una película interesante, muy física, con un rodaje que parece especialmente duro, que te mantiene en tensión durante los 90 minutos que dura, con únicamente tres actores, y en el que Zac Efron hace un auténtico papelón, y que junto al desierto - magníficamente rodado por Ross Giardina, y la locura de la codicia son los grandes protagonistas de la película.

La patrulla del coronel Jackson

El cine bélico ý de propaganda del año 1945 cuando la Segunda Guerra Mundial, al menos, en el Pacífico no había terminado tiene productos como éste que se vendió en España con el título La patrulla del Coronel Jackson. 

En esta película se nos narra la actuación del ejército norteamericano con la ayuda de las milicias Filipinas que habían sido derrotadas en Batán y que ahora se enfrentará al ejército de imperial sin temor ninguno. La película describe eventos (algunos ficticios y otros reales) que tuvieron lugar después de la Batalla de Bataan (1941-1942) en la isla de Luzón en Filipinas . El título provisional de la película era El ejército invisible . 

La película que fue rodada con el título Back to Bataan o  The invisible army cuenta con la dirección de uno de los grandes, Edward Dmytryk, y con la participación en la misma de John Wayne y Anthony Quinn, ambos protagonistas del cine de propaganda de los años 40 y que, por supuesto, está inspirada en hechos reales. Se trató de una producción de la RKO Radio Pictures en la que estuvo presente Robert Fellows. 

La película comienza en el presente, 1945, momento en que los Rangers del ejército estadounidense asaltaron el campo de prisioneros de guerra japoneses de Cabanatuan y rescataron a sus prisioneros de guerra. Es el 30 de enero de 1945, en la isla de Luzón, con la liberación de Cabanatuan, un campo de prisioneros de guerra del ejército imperial japonés. 

Estamos en la Segunda Guerra Mundial luchan en el frente de Filipinas con el protagonismo absoluto del coronel estadounidense Madden y su amigo filipino Andrés Bonifacio, nieto de uno de los libertadores tagalos en la guerra contra España, que está triste porque su prometida quiere la rendición frente a los japoneses. Esta operación ha sido conducida por el capitán Andrés Bonifacio (Jr.), contra la opinión de su superior, el coronel Joseph Madden. 

Tras eso , la película se remonta a marzo de 1942 y a la península de Bataan en Filipinas. Mientras las tropas del ejército estadounidense al mando del general MacArthur luchan por resistir en Bataan contra los japoneses, el coronel Joseph Madden ( John Wayne ) ordena a uno de sus oficiales, el capitán Andrés Bonifacio ( Anthony Quinn ), que tenga más ánimo. 

Bonifacio ha estado bajo presión porque su novia Dalisay Delgado ( Fely Franquelli ) aparentemente está colaborando con los japoneses, transmitiendo propaganda por radio. 

Más tarde, Madden es elegido para escaparse de las líneas y organizar a los filipinos para que luchen como guerrillas contra la ocupación japonesa. Su oficial al mando le hace saber que Delgado en realidad está utilizando las transmisiones de propaganda para transmitirles en secreto información valiosa, pero se le ordena que no revele ese hecho a nadie, ni siquiera a Bonifacio. 

Madden se pone en contacto con un grupo de combatientes de la resistencia filipina , pero cuando emprenden su primera misión, se encuentran con la maestra de escuela estadounidense de mediana edad Bertha Barnes (Beulah Bondi). 

Ella y sus alumnos se unen a la guerrilla después de que los japoneses ahorcan a Buenaventura Bello (Vladimir Sokoloff), el director de su escuela y un querido amigo, por negarse a quitar la bandera estadounidense. Pronto, éste último recibe la orden de llevar a cabo en Luzón operaciones de guerrilla, en colaboración con los resistentes filipinos.

Al emprender su primera misión para destruir un vertedero de gasolina japonés, Madden y sus hombres se topan con la Marcha de la Muerte de Bataan y se dan cuenta de que Bataan ha caído. 

Muchos de los filipinos se desaniman, por lo que, para estimular su voluntad de luchar, Madden encuentra y organiza el rescate del Capitán Bonifacio de la Marcha de la Muerte. Esto funciona. Para su primera misión, los guerrilleros van a la aldea filipina y ahorcan al oficial japonés que ordenó el asesinato de Bello. 

Durante el año siguiente, Madden y sus guerrilleros atacan puestos de avanzada, depósitos de suministros, aeródromos militares y otras instalaciones japonesas. Ayudará al grupo Dalisay Delgado (Fely Franquelli) , la prometida de Bonifacio, que trabaja en apariencia para la administración a sueldo del imperio Japonés. Lo que no sabe es que ella suministra la información cifrada a los guerrilleros anti-japoneses. 

En una misión en Manila ,Andrés descubre la verdad y también ve el peligro en que ella se encuentra. Tienen que huir juntos y unirse a su vez con las guerrillas. El mayor Hasko (Richard Loo), uno de los comandantes japoneses, intenta apaciguar a la población local organizando una ceremonia de semiindependencia para reducir el apoyo popular a la resistencia filipina. Madden, Bonifacio y los guerrilleros atacan la ceremonia, donde Dalisay finalmente revela su verdadera alianza durante su transmisión de radio: insta a su pueblo a levantarse contra los japoneses. 

La mayoría de las tropas japonesas mueren en el ataque, pero un joven filipino llamado Máximo Cuenca (uno de los estudiantes de Barnes) es capturado. 

Después de ser golpeado, acepta llevar a los japoneses al escondite de Madden. Sin embargo, a medida que se acercan a ese lugar, Máximo, sentado en el asiento delantero de un camión de transporte japonés, de repente agarra el volante y lo envía a toda velocidad por la ladera de una montaña. Más tarde muere en los brazos de la señorita Barnes. 

Se ordena al coronel Madden que abandone el campo, dejando al capitán Bonifacio al mando de la resistencia filipina. Varios meses después, en octubre de 1944, Bonifácio y su grupo viajan a Leyte , donde circulan rumores sobre la inminente invasión estadounidense para liberar Filipinas. 

Después de llegar a una playa de Leyte, Bonifacio se reencuentra con Madden, quien llegó en submarino junto con el teniente comandante Waite ( Lawrence Tierney ), un oficial naval estadounidense. Waite asigna a Bonifacio y Madden la misión de tomar y mantener una pequeña aldea para impedir que los refuerzos japoneses repelan el inminente desembarco de las fuerzas estadounidenses que llegará dentro de 24 horas. Mediante engaños, Madden, Bonifacio y sus hombres se enfrentan y derrotan a la guarnición japonesa en una feroz batalla campal. 

Sin embargo, dos soldados enemigos se escapan en una motocicleta y dan la alarma. Tanques y soldados japoneses atacan. Los defensores logran derribar a la mayoría de los tanques, pero están a punto de verse obligados a retirarse. 

Justo cuando todo parece perdido, llegan refuerzos y tanques estadounidenses y cambian el rumbo de la batalla. La película termina con otro montaje corto, esta vez mostrando a varios de los estadounidenses liberados del campo de prisioneros de Cabanatuan. 

La película forma parte de el cine de propaganda realizado durante la Segunda Guerra Mundial y en el que participaron la mayor parte de las productoras y directores de Hollywood. La película sigue el guion escrito por Ben Barzman y Richard H. Landau, partiendo de la historia original de Æneas MacKenzie y William Gordon que narraba entre otras cosas la derrota de los norteamericanos, la salida a Australia del General Mc Arthur, o la triste "Marcha de la muerte". La película tiene un sentido patriótico en la que estaba en juego la victoria aliada.. Esta guerrilla se pone en marcha en previsión de las operaciones de desembarco americanas que constituyen el inicio de la Campaña de Filipinas(1944–1945). 

Dmytryk fue uno de estos directores que en a finales del conflicto estrenó la patrulla del coronel Jackson con un John Wayne que en esta circunstancias extremas había dejado de lado su papel de vaquero para interpretar a un valeroso militar estadounidense en Filipinas. Anthony Quinn, aparecen Beulah Bondi que interpretará el papel de maestra de escuela, una patriota y también hay que destacar a Fely Franquelli, la novia de Quinn. 

Pese a no ser uno de los mejores filmes del director la película fue valorada por sus buenas secuencias de acción filmadas por la fotografía de Nicholas Musuraca y por incluir en ella información real así como los auténticos protagonistas que habían participado en las batallas de Corregidor y Bataan. La música fue labor de Roy Webb, pero en la misma participó como director de orquesta Mischa Bakaleinikoff y el montaje de Marston Fay. 

Cuando comienza la película, los créditos pasan sobre fragmentos de películas reales del 30 de enero de 1945, de los prisioneros de guerra liberados de Cabanatuan, un campo de prisioneros de guerra japonés.

El productor y futuro socio de producción de John Wayne, Robert Fellows había realizado anteriormente dos películas bélicas con personajes ficticios basados ​​en incidentes reales de la Guerra del Pacífico : Bombardier , basada en el Doolittle Raid , y Marine Raiders . También produjo el western de John Wayne Tall in the Saddle para RKO . 

Los productores creían firmemente que un relato de la derrota inicial y la resistencia guerrillera de las fuerzas estadounidenses y filipinas, así como del regreso de MacArthur, sería un tributo espléndido y una película rentable. Así que se pusieron en contacto con la Oficina de Información de Guerra y el ejército estadounidense también estuvo de acuerdo y brindó su ayuda. 

La película tardó 130 días en rodarse debido a los rápidos cambios en las noticias sobre la guerra del Pacífico de la época. Dos tercios del rodaje, se produjo la invasión de Filipinas , lo que obligó a varios cambios de guion y reescrituras para mantenerse al día con los acontecimientos actuales. 

El ataque a Cabanatuan y la liberación de los prisioneros estadounidenses también se incorporaron rápidamente al guion, con escenas que recreaban el 6.º Batallón de Guardabosques atacando el campo de prisioneros japonés. Esta secuencia de acción se ubica al comienzo de la película, mientras que al final hay apariciones de prisioneros de guerra estadounidenses reales, recientemente liberados, insertados para lograr un efecto dramático. 

El guion de Ben Barzman enfatizaba tanto el nacionalismo filipino como el patriotismo estadounidense. Más tarde, los conquistadores japoneses le ordenan a un director de escuela filipino, que le recuerda a un colegial filipino el nacionalismo filipino, que retire la bandera estadounidense en el patio de la escuela. Cuando se niega a hacerlo, los japoneses lo cuelgan del mismo asta de la bandera, con el cuerpo envuelto por las barras y estrellas . 

Durante las secuencias de acción, la banda sonora reutiliza grandes secciones de la banda sonora clásica de Max Steiner para King Kong (1933) de RKO . En otra pequeña sección de la partitura también se utiliza un fragmento instrumental de My Country, 'Tis of Thee (con la melodía del himno nacional británico ). 

Regreso a Bataan fue el primer encuentro de Wayne durante el rodaje con estadounidenses con abiertamente simpatías y creencias comunistas . Barzman y el director Edward Dmyrtyk expresaron abiertamente sus opiniones comunistas.  Cuando Wayne escuchó que Barzman y Dmytryk estaban menospreciando abiertamente la religión del asesor técnico de la película , el coronel George S. Clarke (que había comandado el 57.º Regimiento de Infantería de los Exploradores de Filipinas durante la Batalla de Bataan y era aproximadamente la contraparte de Wayne en la vida real) . ), y burlándose de él con interpretaciones de La Internacional , se enfrentó a Dmytryk y le preguntó si era comunista. Dmytryk respondió que no, pero que si "las masas del pueblo estadounidense quisieran el comunismo, sería bueno para nuestro país". 

Aunque Dmyrtyk negó ser comunista, Wayne sintió que lo era por el uso de la palabra "masas".  Por el contrario, Norma, la esposa de Barzman, recordó que Wayne era amigable con su esposo, con Wayne abrazándolo y llamándolo "maldito comunista", a lo que Barzman respondió en broma que Wayne era un "fascista". 

Wayne también desarrolló una relación amistosa con Dmytryk, respetando su talento como director. El actor estaba realmente perplejo de por qué Dmytryk, que estaba bien pagado y disfrutaba de los frutos de la democracia estadounidense, tendría tanta simpatía por el comunismo y le preguntó: "Dios, Eddie, ¿ cuál es tu problema con Estados Unidos?". 

Durante el rodaje, Dmytryk y Barzman descubrieron que Wayne se había negado a utilizar un doble. Así que colaboraron en la escritura de escenas que pensaron que obligarían a Wayne a insistir en utilizar un doble. En una escena se requirió que Wayne fuera levantado en el aire mediante un arnés de cuero, simulando ser explotado por una explosión. En otro, Wayne y Quinn tuvieron que entrar en un estanque helado y permanecer bajo el agua durante mucho tiempo, cada uno respirando a través de una caña. Wayne hizo las acrobacias, pero mientras bebía un vigorizante whisky de antemano, le dijo a Barzman: "Será mejor que te asegures de que no descubrimos que esto es algo que soñaste con tu cabecita como regalo de despedida". 

En su libro The Star-Entangled Banner , la autora Sharon Delmendo ve a Back to Bataan como Wayne actuando como un sustituto del general Douglas MacArthur . Tiene que afrontar la ira de sus oficiales filipinos que le preguntan "¿dónde están las fuerzas estadounidenses?" Más tarde se le ordena que abandone Filipinas y regrese, como MacArthur, cuando finalmente se produzca la invasión.

Revisión del hombre del oeste

Un magnífico western que ya pude ver y disfrutar como comenté en Cooper, el hombre del oeste hace unos años, dirigido por Anthony Mann que adaptó la novela 'The Border Jumpers' de Will C. Brown, editada por Toray en 1964, y que fue realizado bajo la producción de Asthon Production y y distribuida por la United Artist.

Es una película alejada de todo lo que supone el éxito el cumplimiento de los objetivos y del amor. Godard dijo de ella que era una "lección admirable de cine moderno" para el cineasta francés este era el título con el que comenzaba el cine moderno y  añadía que era "el mejor film de 1958". 

Man of The West es un western del año  1958 con un impresionante Gary Cooper como Link Jones en uno de sus últimos western, que aparece acompañado de Julie London,  Lee J Coob, Arthur O Connell, Jack Lord, John Dehner, Robert J. Wilke y Royal Dano, en esta película de mudo. 

Con la salida de un tren en dirección a una ciudad de del Oeste en el que viaja el protagonista descubriremos una historia oculta que se sacará la luz y dará lugar al reconocimiento de la verdadera personalidad de un hombre aparentemente honrado y redimido, pero tiene un encuentro con su pasado. Magníficamente interpretado por un maduro Gary Cooper. 

Todo empieza con la búsqueda de una maestra para la localidad en la que vive y acaba con un brutal encuentro con el hombre que lo crio en la brutalidad y el desenfreno, para acabar con ese pasado se enfrentará muy a su pesar con él, en la que la violencia se abre paso, arrastrándolo , estando acompañado de dos personajes perdedores, una chica- una bellísima Julie London-  que es humillada y ultrajada en varias ocasiones y que ante su trato se enamora de él, y un pobre hombre, interpretado por Arthur O´Connell, sin suerte. 

Anthony Mann trazó con este peculiar western un precioso relato de las complejas motivaciones que guían los actos de las personas con un Gary Cooper dando vida a un oscuro e interesante personaje. Revisión de una película fantástica en el mejor sentido del término. 

De ella escribió en Twitter - ahora X- Gerardo Sánchez que "Si queréis saber lo que es una dirección transparente, un western ejemplar, un director como la copa de un pino, Anthony Mann, un protagonista que es El hombre del oeste, Gary Cooper, y un cinemascope primoroso, solo tenéis que verla". En este mismo medio Juanma de la Pozo señaló que era una de sus películas favoritas del director Anthony Mann. Fausto Fernández escribió sobre ella que "Anthony Mann sacó oro puro de un ya veterano e icónico Gary Cooper en una obra maestra titulada El hombre del Oeste", resaltando igualmente las lecciones del saber hacer de Lee J. Coob a un Anthony Mann de gran altura".  

Corre, Cuchillo, corre

Tras haber interpretado al papel de mexicano Manuel "Cuchillo" Sánchez dos años antes en la película "La resa dei conti" ("El halcón y la presa"), de 1966, el actor cubano Tomás Milán volvió a meterse en las botas del personaje siendo dirigido de nuevo por el responsable de aquella película Sergio Sollima. 

Se trata de una producción Mancori–Chretien en la que están presentes Sergio Sollima y Aldo Pomilia así como Alvaro Mancori y Anna Maria Chretien que sigue un guion escrito por Sergio Sollima y Pompeo de Angelis, la música es de Bruno Nicolai con matices que aclararé al final, y cuenta con la fotografía de Guglielmo Mancori, el montaje de Tatiana Casini Morigi y el vestuario de Maria Baronj  

En esta ocasión Sergio Sollina realizó esta película en 1968 y cuenta la historia de un convicto cuya historia transcurre en la zona fronteriza y desértica entre México y Texas con los personajes arquetípicos del espagueti western más clásico desfilan constantemente por la pantalla. 

En la película tiene un pequeño papel Jon Ireland en una de sus participaciones en el cine europeo mientras que la cubana Chelo Alonso antigua bailarina exótica del mítico Follies Bergères se encargó de una de las protagonistas femeninas. 

El protagonista es Manuel Cuchillo Sánchez (Tomás Milian), un pobre diablo mexicano que acaba de escaparse por piernas de un paredón al que llega sin darse cuenta tras robar comida en una casa, para acabar compartiendo celda con el poeta y enigmático líder revolucionario Ramírez (José Torres). Éste revolucionario fue el responsable de guardar el oro de la revolución, unos tres millones de dólares. 

A pesar del perdón y la liberación en un día, Ramírez contrata por 100 dólares a Cuchillo para que lo ayude a escapar. 

A la espera de su liberación hay numerosos cazarrecompensas ansiosos por el precio por la cabeza de Ramírez, ya que éste es el único que conoce su paradero, ya que va destinado a financiar la Revolución mexicana 

Escapando de sus muchos perseguidores ambos llegan a la aldea de Ramírez, pero sólo unos minutos antes de que llegue un bandido que dice ser revolucionario de nombre Reza (Nello Pazzafini). Ramírez para evitar que este sanguinario ladrón mate a una mujer recibe un disparo, pero antes de morir, le pasa información a Cuchillo sobre 3 millones de dólares en oro escondido, entregando a Cuchillo una portada de un periódico que viene a ser la contraseña para aquellos que custodian el tesoro. Antes de morir, Ramírez le entrega el periódico a Cuchillo. Éste se va en busca del tesoro con el documento y lo pide que el mismo sea entregado al líder revolucionario Santillana (John Ireland). 

Siguiendo el rastro de Cuchillo están los mercenarios franceses que sirven al presidente Porfirio Díaz, Reza y sus bandidos, un pistolero estadounidense y la prometida de Cuchillo, Dolores... que simplemente quiere que Cuchillo deje de huir y se case con ella. 

Los engaños y las traiciones dominan mientras todas las partes corren para descubrir el tesoro de oro que está en la ciudad texana de Barton City.  

Antes de llegar a esta localidad Cuchillo tendrá que huir del gringo pistolero Nathaniel Cassidy (Donald O'Brien), de la banda de forajidos de Riza, con un par de espías porfiristas, el Coronel Michel Sévigny (Marco Guglielmi y Luciano Rossi). recibirá el apoyo de un hombre que le acompaña hasta la frontera por parte del revolucionario Santillana (John Ireland) y su ejército, y de todo tipo de asesinos. En su huida Cuchillo recibirá la ayuda de Penny Bannington (Linda Veras), un extrovertida rubia y fanática religiosa y de su peculiar novia Dolores (Chelo Alonso).

Tras hablar y concretar con Santillana sobre lo que se hará con el dinero - fundar una ciudad con el nombre de Ramírez que tendrá una plaza o una calle con el nombre de Cuchillo, ha de huir de todos sus perseguidores hasta llegar a Barton City. Allí coincide con el misterioso cazarrecompensas Casssidy, que previamente le ha robado el periódico, con Penny, una oficial del Ejército de Salvación  y su padre (Gianni Rizzo) y  alcalde de la ciudad, incluso con Riza  y su banda de forajidos mexicanos y a las afueras de la ciudad con el par de espías porfiristas.

El film termina en la escena cuando Cuchillo sale camino hacia la frontera

"Corri, uomo, corri" (1968) fue una continuación del film exacta. Ahora en este film el actor cubano será el protagonista principal, un simple y sencillo mexicano que se verá envuelto en las intrigas políticas del México revolucionario de Porfirio Díaz (1830-1915) por un tesoro. Con el telón de fondo histórico del régimen de Porfirio Díaz, la trama se centra en la búsqueda del presunto tesoro nacional mexicano que Benito Juárez habría escondido en forma de lingotes de oro en algún lugar de Texas

A destacar la película por desenfadada e intrascendente relato con una historia en continuo movimiento de escenarios y espacios, con persecuciones casi permanentes, con un  ingenioso sentido del humor que sabe trufarlos, conjuntamente con escenas violentas - las del principio rozan la genialidad con el soldado apuntando a los que los mataron o el propio fusilamiento en el que se involucra Cuchillo, al inicio de la película-  para desarrollar una trama sencilla y previsible, los títulos de crédito que son una auténtica joya o la marcada presencia ideológica en este western que apuesta por el espíritu revolucionario como todo buen western que se precie, pero que en contra de la misma van la pobreza del guion - original, pero pobre-  y la ausencia total de desarrollo de los personajes.

La película, una coproducción franco italiana, se rodó en Almería, y para terminar señalaré con respecto a la banda sonora que además de componer él mismo una gran cantidad de bandas sonoras cinematográficas, Bruno Nicolai también dirigió muchas de las bandas sonoras cinematográficas de Ennio Morricone. 

En una entrevista en el largometraje Run Man Run: 35 Years Running, el director Sergio Sollima afirmó que a Morricone, que entonces estaba contratado por Universal Pictures, no se le permitió trabajar para ninguna otra compañía cinematográfica, pero compuso la banda sonora de la película sin créditos.

La  música es usada en el videojuego Red Dead Revolver.